El artista Bosco Sodi necesita que su estudio esté tranquilo. En Nueva York, donde vive, tiene uno; en Puerto Escondido, en la costa de Oaxaca, otra; El de Grecia está en construcción y el más reciente acaba de inaugurarse en la Ciudad de México. “Cuando voy a algún lado, después de 15 días, empiezo a sentirme muy nervioso si dejo de pintar”, explica el artista (Ciudad de México, 52 años). Sodi, que es hiperactivo y disléxico, encontró refugio en el arte cuando era pequeño: “Entendí que era algo que iba a tener que hacer toda la vida”. El nuevo espacio se levanta discretamente entre galpones en una antigua zona industrial de la capital. A pocos metros se encuentran las vías del tren, que ya no pasan.
La fachada de Studio Bosco Sodi es estrecha y alta: hormigón en bruto y ladrillos desgastados. No hay puerta, solo el agujero que se abre a la mitad del edificio y una puerta. Luego aparece un patio abierto. Más adelante están las oficinas de Casa Wabi, la fundación que creó Sodi para otorgar becas a creadores de diferentes disciplinas y que tiene su sede principal en Puerto Escondido. Detrás se encuentra el espacio dedicado en exclusiva a la obra del artista, cuatro plantas con zonas de exposición y bodegas. Son en total unos 1.600 metros cuadrados. La construcción fue diseñada por Alberto Kalach, quien diseñó la biblioteca Vasconcelos, entre otros proyectos, y es amigo de Sodi.
“No quería que se impusiera el trabajo en el lugar, pero tampoco quería que se impusiera el trabajo en el lugar. Quería que hubiera un diálogo y que se creara una tensión amistosa. Como un monasterio”, explica Sodi por videoconferencia desde Nueva York, donde vive. La construcción tiene niveles con techos altos que se dan unos a otros, algunas terrazas, lucernarios, pisos de madera o de concreto, según la función, y rejas de hierro. “Quería un lugar con mucha luz natural. Mi obra es una obra de luz, pero también de sombras. Me gusta verlo con el movimiento de las sombras porque cobra vida. Muchas veces pongo velas frente a los cuadros para verlos con el movimiento de la luz”, dice.
Desde el último piso se pueden ver los techos de chapa de las fábricas y maquilas aledañas. El barrio de Atlampa fue uno de los polos industriales más importantes del país. Cuando la ciudad empezó a crecer, estos núcleos se trasladaron y las fábricas abandonaron Atlampa. El gobierno de la capital evalúa que hay un “deterioro del tejido social y del entorno urbano”, “falta de viviendas dignas y espacios verdes”, “obsolescencia industrial” y cantidades de “suelo baldío”, y por ello implementa un plan de “regeneración integral”. Hoy el barrio tiene uno de los índices de violencia más altos de la ciudad. Por donde pasaba el tren, a pocos metros del estudio de Sodi, decenas de personas viven en asentamientos precarios sobre las vías.
“La zona necesita un impulso”, dice el artista. El barrio está a un paso del centro y a otro del barrio de Santa María la Ribera, que en los últimos 20 años ha visto la llegada de artistas y otros creadores. “México se ha convertido en un fenómeno en el arte. Las conversaciones en cada inauguración ya son aburridas porque la gente ve que eres de México y dice: ‘Oh, amo a México´. Todo tipo de artistas se están yendo a vivir, pero no todos tienen dinero para vivir en la Roma o la Condesa”, dice Sodi. La amenaza que viene con eso es la gentrificación.
Sodi decidió establecer Studio Bosco Sodi en este barrio porque cree que “el arte realmente puede aportar algo” allí: “Estos espacios tienen que abrirse en lugares que lo necesiten. Creo que es una locura abrir un museo más en Chapultepec o en Polanco”, la motivación fue similar cuando abrió Casa Wabi en Puerto Escondido, o la residencia de Casa NaNo, en Tokiocualquiera Asamblea, en Nueva York, un “espacio de arte” sin ánimo de lucro. En Atlampa ya está en pláticas con colegios del barrio, asegura. “Trabajar con niños y adolescentes, cuando aún se puede hacer un cambio, es la parte más importante del arte. Estoy convencida de que nos ayuda a comprender el universo ya comprendernos a nosotros mismos”.
Habla por experiencia. Cuando tenía cinco o seis años, le diagnosticaron hiperactividad y dislexia: “Mi madre, en lugar de medicarme, que era lo más común en ese momento, me puso en clases de arte”. “Fue el único momento en que estuve tranquilo y pude encontrarme”, dice y agrega: “Para mí, el arte es una necesidad. Es mi oficio y me fascina, pero también es una necesidad”. Sus estudios están siempre cerca de su casa. Cuando vivía en Barcelona, estaba a cuatro cuadras; en Berlín tuvo dos; ahora, en Brooklyn, a las seis. En parte, eso también tiene que ver con la forma en que creas a partir de él.
Espacio, tiempo y accidente
Aunque Sodi trabaja con diferentes materiales como piedra, madera o arcilla, las pinturas son sus obras más reconocidas: superficies que cubre con una pasta hecha de serrín y cola y espolvorea con pigmento. En los videos se le ve manchado de pintura hasta arriba de las rodillas, vestido con un overol y una mascarilla, vertiendo la mezcla sobre el marco horizontal. Luego los deja secar y el material se agrieta hasta formar texturas que recuerdan al barro seco u otras formas de la naturaleza. “Es bueno tener el estudio cerca porque visito la obra tres o cuatro veces al día para ver cómo está reaccionando”, dice.
Su técnica se basa en una filosofía japonesa, la wabi sabi, que en sus palabras se explica de la siguiente manera: “Habla de cómo el accidente, el paso del tiempo y la incertidumbre hacen que las cosas sean únicas e irrepetibles”. Así empezó todo, tras comprar el catálogo de una exposición de Georges Braque en Madrid para su madre. Allí leyó que el pintor francés utilizaba aserrín para dar volumen a sus cuadros. Sodi comenzó a experimentar tímidamente. Un viernes, a toda prisa, al salir de su estudio, volcó el frasco con la pasta. Regresó el lunes y descubrió cómo se había transformado el material: “Siempre les digo a los artistas que la forma de encontrar tu propio lenguaje es estar abierto al accidente”.
Su gusto por la experimentación le viene de su padre, ingeniero químico. “Cuando mezclo aserrín, pigmento y agua la reacción es totalmente diferente dependiendo de dónde me encuentre. Es por eso que me gusta mucho trabajar en diferentes lugares. El aserrín en cualquier lugar es diferente porque depende mucho del árbol. Cuando el clima es muy cálido y seco, el agrietamiento es rápido y caótico; cuando el lugar es más húmedo, es más rítmico”, explica. No recuerda las fechas ni los nombres de las obras, pero sí los lugares donde las hizo: “Sé qué pintura hice en Berlín, qué pintura hice en Portugal, qué pintura hice en México, en Nueva York. Conozco perfectamente las rosas de Berlín porque son completamente diferentes a las rosas de Barcelona”.
contemplar el trabajo
El espacio que inauguró en Atlampa, en la calle Sabino 336, funcionará como taller cuando se instale en la Ciudad de México por más de 15 días, lo que no es habitual. El primer piso se puede transformar en un espacio de trabajo porque el piso de concreto se limpia fácilmente (en los demás los pisos son de madera). Pero ahora todos los niveles funcionan como espacio de exhibición. “Quería poder volver a visitar mi trabajo, que estaba todo en cajas y me entristecía mucho”, dice. “Siéntense, mírenlo y disfrútenlo”, continúa. Para eso, invitó a Dakin Hart, quien es el curador jefe del Museo Noguchi en Nueva York. Hizo la selección que está actualmente en exhibición y que cambiará con el tiempo.
Allí están sus esferas de arcilla; sus muros de ladrillo, como el que instaló en Nueva York en 2017 contra las políticas migratorias de Donald Trump; sus rocas volcánicas cubiertas de oro; sus pinturas en blanco y negro o rojo, y la continuación de una serie hecha de sacos que comenzó en una pandemia. Estaba confinado con su familia en Puerto Escondido y casi no tenía materiales. Luego, descubrió que podía pintar en las bolsas de chile en las que llegaba la compra. La primera vez que exhibió esos sacos de arpillera con círculos de aceite fue en la Bienal de Venecia de 2022; él hoy los expone en la muestra Elogioque se puede ver hasta el 7 de abril en la galería Hilario Galguera de la Ciudad de México – el artista también presenta una instalación en los Museos de Arte de Harvard en Cambridge (Estados Unidos) hasta el 9 de junio, y en 2024 expondrá en el Museo de Arte HE Shunde , Porcelana.
Sin embargo, nada de lo que se exhibe en Studio Bosco Sodi está a la venta. Toda esta obra forma parte de su colección personal y está inscrita en un confianza en nombre de sus hijos, de 19, 18 y 14 años. “Si es comercial, desvirtúa la esencia pura del espacio y se convierte en un sala de exposición. No tiene nada de malo, vivo de vender mi obra, pero es diferente”, dice Sodi, quien es una de las artistas mexicanas mejor valoradas. Lo que quiere es que sea un almacén abierto: que albergue su obra, que se convierta en taller si lo necesita y que el público lo visite –las citas se programan de viernes a domingo–. Desde febrero han pasado por allí más de 2.300 personas. Sodi espera, sobre todo, “que la gente no tenga miedo al espacio”: “Cuantas más visitas hay, más vive la obra”.
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